XVII Premios Alfa y Omega al mejor cine del año: En la oscuridad de la crisis, un año de cine luminoso - Alfa y Omega

XVII Premios Alfa y Omega al mejor cine del año: En la oscuridad de la crisis, un año de cine luminoso

El año 2011 ha estado lleno de alegrías cinematográficas. Ha sido una temporada en la que la experiencia y el acontecimiento cristianos han encontrado un lugar digno y sorprendente en el escenario cinematográfico internacional. Desde películas que iban al núcleo de la experiencia religiosa (El árbol de la vida), hasta otras que reflejaban hechos y personas reales de la historia y la vida de la Iglesia (De dioses y hombres, Encontrarás dragones, El rito, Alexia), pasando por películas de ficción que expresaban aspectos luminosos de la vida que nace de la fe (Cartas a Dios, Maktub). Al margen de esta estupenda bocanada de cine desprejuiciado y libre, el séptimo arte nos ha dejado joyitas de la estética, como The Artist o Midnight in Paris, pero sin olvidar ni la crisis económica (Margin call), ni la crisis afectiva (Happy Thank you More Please), ni la familiar (El niño de la bicicleta), ni la existencial (Verbo)… En fin un espejo múltiple que nos devuelve una imagen fragmentada, incompleta, pero verdadera de la situación del hombre contemporáneo. También el cine de revisión histórica ha dado obras notables como La conspiración, El caso Farewell, La Deuda o Nannerl, la hermana de Mozart. El cine español también ha abierto vías nuevas, frescas, de un cine de género que da la espalda a casposas producciones estancadas, ideológicas o irrelevantes. Así, ha visitado con éxito la ciencia ficción (Eva), el western (Blackthorn. Sin destino), la comedia dramática (Maktub), el documental (Alexia) o el drama social (No tengas miedo). No ha tenido fácil el Jurado desbrozar tantas interesantes propuestas

Juan Orellana
Un momento del rodaje de la película El árbol de la vida, de Terrence Malick.

El árbol de la vida, de Terrence Malick
Mejor película extranjera
Mejor director
Mejor actriz secundaria (Jessica Chastain)
Mejor fotografía (Emmanuel Lubezki)

Fotograma de El árbol de la vida.

Tras un encendido y profundo debate sobre una película tan metafórica, el Jurado decidió darle los Premios más importantes al director Terrence Malick y a su polémica, pero muy galardonada cinta, El árbol de la vida. Todos los miembros del Jurado estuvieron de acuerdo en que Malick ha filmado una obra profunda, personal, espiritual, religiosa, teológica, e incluso mística. La película no es argumental ni narrativamente lineal, pero tiene una sencilla trama nuclear: en los años cincuenta, a una familia católica americana, los O’Brien, se le muere un hijo, el segundo de tres. El dolor ante tal pérdida se transforma en una pregunta frontalmente dirigida a Dios: «Señor, ¿dónde estabas cuando murió mi hijo?» Dios responde a través del libro de Job: «¿Dónde estabas tú cuando yo fundaba la tierra?», frase con la que Malick abre la película. Todo el film es un intento de ilustrar este diálogo dramático entre Dios y el hombre herido por el mal y el dolor. Un mal y un dolor, no sólo representados por la muerte del hijo, sino por un padre torpe, a menudo injusto y proclive a la violencia. Pero hasta en esto vence el perdón y la gracia.

Especialmente intenso es el personaje de la señora O’Brien, encarnado por la sensacional y premiada por Alfa y Omega Jessica Chastain, el personaje más religioso del film. Ella nos explica, al principio de la película, que hay dos caminos para el hombre, el de la naturaleza —que tiende a la autosatisfacción y la prepotencia— y el de la gracia, un camino que no hace ascos a la incomprensión y al sacrificio. Ante la muerte de su hijo, ella va a recorrer el arco que va de la naturaleza a la gracia, para poder acabar ofreciéndoselo a Dios: «Yo te lo entrego».

El Jurado también ha premiado la memorable fotografía de Emmanuel Lubezki, que nos permite disfrutar del mensaje luminoso de Malick. Es muy hermoso el primer plano del film en el que una muchacha abre una ventana y se asombra feliz ante el espectáculo del Ser. Dios despliega el ser y la creación como un desbordamiento de Amor que llega a cada hombre, a su nacimiento y a su muerte, formando parte ambos del mismo designio amoroso. El árbol de la vida muestra todo esto con un maravilloso recorrido visual por la creación, y apoyado por las voces en off que expresan el alma de los personajes y la pieza Lacrimosa, que el compositor polaco Zbigniew Preisner compuso para el Requiem por la muerte de su amigo, el gran cineasta Kieslowski. En fin, una película contemplativa, conmovedora, que exige del espectador una implicación profunda si es que quiere realmente llegar a escuchar lo que Malick le quiere decir.

El árbol de la vida
Director:

Terrence Malick

País:

Estados Unidos

Año:

2011

Género:

Drama

Público:

Todos los públicos

Maktub, de Francisco Arango
Mejor película española

Fotograma de Maktub.

Este año, el Premio Alfa y Omega va para la opera prima del creador de la serie televisiva ¡Ala… Dina!, Francisco Arango. Manolo es un argentino de mediana edad, casado con Beatriz. Ambos viven en Madrid, su relación se desmorona y sus hijos sufren las consecuencias. Por casualidad, un día Manolo conoce a Antonio, un niño canario enfermo de cáncer y que vive con su madre soltera. A partir de entonces, su amistad con él y con diversos personajes que irán apareciendo, supondrá el comienzo de un cambio decisivo en la vida de Manolo y de los suyos.

Aunque el título —que en árabe significa está escrito— puede evocar cierto fatalismo determinista, de lo que realmente habla Maktub es de la providencia divina, de la intervención de Dios en la vida de las personas bajo la apariencia de casualidad. La cinta apuesta por un sentido finalista de la vida, por la existencia de un destino bueno para cada ser humano en medio de sus circunstancias, por dolorosas que sean. Por otro lado, Maktub trata de la muerte, presentada con una esperanza desinhibida. El protagonista lo deja muy claro desde el principio: no le asusta la muerte porque sabe que Dios y el Paraíso le esperan al otro lado. La religiosidad está muy presente a lo largo del film, de una forma muy espontánea y nada impostada.

Otro tema es la familia, con toda su complejidad: problemas de pareja, infidelidades, incomunicación, ausencia del padre, relaciones difíciles con los hijos, injerencias de la suegra… A pesar del tono cómico de muchas situaciones, el director ni las frivoliza ni las desdramatiza, ni tampoco las cierra en falso. La película, como los grandes clásicos, propone una segunda oportunidad que tiene su origen en el redescubrimiento del gusto de vivir.

Maktub
Director:

Paco Arango

País:

España

Año:

2011

Género:

Comedia

Público:

Todos los públicos

De dioses y hombres, de Xavier Beauvois
Mejor película sobre el hecho cristiano
Mejor interpretación masculina (para todo el reparto)

Escena de De dioses y hombres.

El Jurado ha reconocido en este film una de las grandes revelaciones de la temporada. El irregular cineasta francés Xavier Beauvois nos cuenta la historia de Christian, Christophe, Bruno, Célestin, Luc, Michel y Paul, siete monjes cistercienses del monasterio de Nôtre-Dame del Atlas, en Tibhirine, Argelia, que el 21 de mayo de 1996 fueron asesinados por un grupo de extremistas islámicos.

La película se centra en la vida de la comunidad en los meses previos al secuestro. Y lo que nos muestra es una vida marcada por la oración, la liturgia y el trabajo; un trabajo que en algunos casos, como el de Luc, que sabe Medicina, está directamente orientado al bienestar de los habitantes del pueblo más cercano, una pobre aldea musulmana. También otros de los monjes prestan servicios, asesoramientos y ayudas varias a los vecinos musulmanes. La caridad, profundamente entendida, es su forma de la relación con los musulmanes. Comparten con ellos la experiencia religiosa monoteísta, así como las categorías de misericordia y perdón. Todo cambia cuando llegan los islamistas, que son también detestados por el pueblo, que los considera traidores del Corán. El liderazgo de Christian, el Superior, es clave para devolver a todos el sentido de la vocación y de la misión del cristiano en el mundo, así como el significado de la Encarnación.

La cinta tiene una puesta en escena deliciosa. Pero lo que más deslumbra es la dirección actoral. Intérpretes de la talla de Michael Lonsdale, Lambert Wilson u Olivier Rabourdin posibilitan una película de actores, capaz de sostener unos primeros planos antológicos, como en la escena en la que los monjes se emocionan con El lago de los cisnes, de Tchaikovski. Es tan auténtica y veraz la interpretación de los actores que hacen de monjes, que el jurado de Alfa y Omega ha votado por unanimidad otorgarles el Premio de interpretación masculina a todos ellos en conjunto.

De dioses y hombres
Director:

Xavier Beauvois

País:

Francia

Año:

2010

Género:

Drama

Público:

+ 7

Alexia, de Pedro Delgado
Mejor documental

Fotograma de Alexia.

Este documental gira en torno a Alexia González-Barros, una niña de catorce años, que murió en 1985 a causa de un espantoso cáncer en la columna vertebral. Alexia nació en Madrid en 1971, en el seno de una familia numerosa, estudió en el colegio, de la Compañía de Santa Teresa, Jesús Maestro, y creció en un ambiente católico. Fue una niña normal, alegre, buena compañera y estudiante, sensible y muy piadosa. En febrero de 1985, se le diagnostica un cáncer que le va a privar de su movilidad entre fuertes dolores. Se inicia un vía crucis para ella y para su familia, en el que se va a poner a prueba su amor a Cristo y su confianza en Dios. A los diez meses, falleció en la Clínica de la Universidad de Navarra. Su forma de afrontar el sufrimiento fue para todos un testimonio de fe tan conmovedor que en 1994, se inició su proceso de beatificación.

No era fácil afrontar un documental sobre una niña corriente desaparecida antes de la revolución digital. Los testimonios audiovisuales eran escasos y en super8, y siempre domésticos. Sin embargo, Pedro Delgado lo saca adelante de forma ágil, con buenas soluciones técnicas, con un uso inteligente de testimonios breves (familiares, profesores, la tata, médicos, capellanes…) y con una explotación tenaz del material audiovisual de archivo. Además, introduce elementos de animación muy buenos y divertidos, que dan un punto de humor a una historia que inevitablemente tiene tintes dramáticos.

Alexia
Director:

Pedro Delgado

País:

España

Año:

2011

Género:

Documental

Público:

+12 años

Midnight in Paris, de Woody Allen
Mejor guión original

Escena de Midnight in Paris

Woody Allen vuelve a la frescura mágica de cintas como La Rosa púrpura del Cairo, y nos cuenta una historia que tiene al tiempo como su principal protagonista. Gil e Inez son unos jóvenes novios, que pasan unos días de turismo en París. Gil es guionista en Hollywood, aunque su deseo es llegar a ser un famoso escritor de novelas. Una noche en que, después de una cena, decide volver por su cuenta al hotel, se pierde en las calles parisinas. Un antiguo carruaje pasa a su lado y los ocupantes le invitan a subir. Se ve de pronto trasladado al París de los años veinte, y empieza a tratarse con escritores y artistas de la época, como F. Scott Fitzgerald y su esposa Zelda, Ernest Hemingway, Pablo Picasso, Salvador Dalí, Luis Buñuel… Pero él se queda especialmente prendado de Flapper, una mujer que le hace dudar acerca de su amor por Inez. Esta deliciosa comedia culta cuenta con un excelente reparto, en el que destacan Owen Wilson, Rachel McAdams, Marion Cotillard, Adrien Brody, Kathy Bates, Michael Sheen, y hasta la mismísima Carla Bruni.

Midnight in Paris
Director:

Woody Allen

País:

Estados Unidos

Año:

2011

Género:

Comedia

Público:

Todos los públicos

Incendies, de Denis Villeneuve
Mejor guión adaptado (Valérie Beaugrand-Champagne y Denis Villeneuve)

Fotograma de Incendies.

El director canadiense Denis Villeneuve adapta al cine la famosa obra teatral de Wajdi Mouawad, por la que quedó hondamente impresionado cuando la pudo ver en Montreal. Se trata de la historia de dos hermanos gemelos que se reúnen con el notario tras la muerte de su madre, Nawal. La lectura del testamento abre una ignota puerta al pasado que Jeanne y Simon deberán cruzar con mucho dolor si quieren paz para el presente. La película es una radiografía terrible de los conflictos en Oriente Medio, que aunque parece reflejar la guerra del Líbano, lo cierto es que tiene una vocación universal.

El director parte de una premisa inexacta, esto es, que la religión es motivo de conflicto, pero no se da cuenta de que lo que muestra en el film son posiciones que han sustituido la religión por la ideología. En la película, tanto cristianos como musulmanes, hacen de sus creencias una excusa para exclusivismos nacionalistas, territoriales o racistas. Por eso, podemos ver aberraciones como metralletas adornadas con una pegatina de la Virgen. Hecha esta necesaria salvedad, hay que decir que la película es monumental. Monumental por su viaje al odio y al dolor y la superación de los mismos en nombre del amor; monumental por su contundencia en la forma de contar los hechos en montaje paralelo; y monumental por su resolución que rompe el férreo fatalismo de la tragedia griega en aras de una exaltación de la libertad genuinamente cristiana.

Incendies obliga al espectador a un durísimo viaje en que no se va a privar de nada: crímenes, infanticidios, torturas, violaciones…, pero, tras el descenso a los infiernos, va a encontrar una resurrección en la que todo el mal se transforma en ocasión de bien. Y la razón que propone el film es que este mundo no está hecho de buenos y malos, sino de hombres heridos susceptibles de redención. Todos los personajes tienen heridas, o en su pasado o en su presente, y la espiral del odio sólo se supera mirando dentro de uno mismo. Hasta el personaje más deleznable del film, asesino y torturador, tiene su oportunidad, que debe que pasar por el dolor y el arrepentimiento.

Incendies
Director:

Denis Villeneuve

País:

Canadá

Año:

2010

Género:

Drama

Público:

+12 años

The Artist, de M. Hazanavicius
Mejor actriz (Bérénice Bejo)
Mejor banda sonora (Ludovic Bource)

Escena de The Artist.

Ésta ha sido la gran sorpresa del año, una obra maestra muda, en blanco y negro y en formato 1:33. The Artist, dirigida por Michel Hazanavicius, se concibe como un espléndido homenaje al cine mudo, al musical, al glamour de la edad de oro y al romanticismo limpio y luminoso de aquel cine. El argumento en sí no es original, ni tampoco excesivamente interesante: un actor estrella del cine mudo se ve eclipsado con la llegada del sonoro, mientras que la actriz a la que ama triunfa. El actor Jean Dujardin hace un espléndido trabajo seguido de una luminosa y radiante Berenice Bejo, premiada por Alfa y Omega, y un formidable John Goodman. La dirección artística es tan austera como soberbia y la banda sonora —que tiene un protagonismo embriagador en esta película muda— es un verdadero tributo a aquella época.

The Artist
Director:

M. Hazanavicius

País:

Francia

Año:

2011

Género:

Comedia

Público:

Todos los públicos

Cartas a Dios, de Eric-Emmanuel Schmitt
Mejor película familiar

Fotograma de Cartas a Dios.

Al igual que Maktub, el jurado ha premiado otra cinta que también trata sobre un niño aquejado de un cáncer terminal, y, también en este caso, con una desinhibida aproximación al sentido de la vida y al misterio de la muerte. Oscar está ingresado en un hospital junto a otros niños gravemente enfermos. Le queda muy poco tiempo de vida y sus padres han sucumbido a la desesperanza. Pero va a ser Rose, una vendedora de pizzas, la que logre empatizar con el niño, acompañarle en su tránsito y, sobre todo, descubrirle el rostro de Dios. El corazón de Oscar cambiará, y él transformará a su vez el corazón de los de su alrededor, especialmente de sus padres y de la propia Rose.

El director, Eric-Emmabuel Schmitt, es un converso, dramaturgo y novelista francés, que ahora afronta su segundo largometraje adaptando su propia novela Oscar y la Dama de Ros. Michéle Laroque, Max Von Sydow, Myléne Demoneot y Amira Casar componen el original y eficaz reparto de esta emotiva cinta. El film tiene un formato algo caleidoscópico, con recursos al onirismo y al realismo mágico, lo cual es habitual en las películas que adoptan el punto de vista de un niño. La película mira de frente la cuestión dramática de un niño que va a morir, y lo hace desde las certezas cristianas, presentadas con imbatibilidad, del personaje de Rose. Rose no es precisamente una mujer ejemplar, más bien al contrario, es una mujer agria, malhablada e intratable, pero la dureza de la vida le ha llenado de certezas sobre Dios, y el sentido del sufrimiento. Una película simpática, divertida, y a la vez muy conmovedora y, sobre todo, muy verdadera.

Cartas a Dios
Director:

Eric-Emmanuel Schmitt

País:

Francia

Año:

2009

Género:

Drama

Público:

Todos los públicos

Margin Call, de J. C. Chandor
Mejor película de contenido social

Escena de Margin call.

Un espectacular reparto es el reclamo de una película tan solvente en su guión como en su dirección de actores. Margin call está escrita y dirigida por el debutante J. C. Chandor. Kevin Spacey, Paul Bettany, Jeremy Irons, Demi Moore o Stanley Tucci son algunos de los intérpretes de esta disección del lado oscuro de Wall Sreet. Concretamente, el argumento se centra en un Banco de inversión durante las horas previas al inicio de la crisis financiera de 2008. Peter Sullivan, un analista jovencito, revela una información que demuestra la quiebra de la empresa, lo que origina una toma de decisiones en cadena tanto morales como financieras que producen un terremoto en las vidas de los implicados y en todo el sistema bursátil y financiero.

Con un guión de hierro, que recuerda el de obras maestras como Glengarry Glenn Ross, de David Mamet, la película convierte casi en un thriller un argumento económico y empresarial, y consigue que los conflictos humanos y morales vayan emergiendo hasta situarse en el primer nivel de la trama. Las reflexiones que nos brindan los personajes, especialmente el magnate John Tuld, quintaesencia del capitalismo salvaje, son realmente inquietantes y vuelven a poner sobre la mesa lo que ya nadie duda: la crisis, antes de ser económica, ha sido moral.

Un ritmo medido, un montaje preciso, un espacio y un tiempo propios para cada personaje, y una amplia gama de grises que despejan cualquier tentación maniquea, dan por resultado una película sólida, no ideológica, impactante.

Margin Call
Director:

J. C. Chandor

País:

Estados Unidos

Año:

2011

Género:

Drama

Público:

Todos los públicos

La conspiración, de Robert Redford
Mejor película de tema histórico

Imagen de La conspiración.

El actor Robert Redford, que ya ha demostrado en muchas ocasiones su valía como director, nos ofrece uno de sus mejores títulos en esta película histórica que recrea los juicios contra los asesinos del Presidente Abraham Lincoln, abatido de un tiro el 15 de abril de 1865, mientras asistía a una representación en el teatro Ford. Concretamente, el film recrea la defensa de Mary Surrat por parte del joven abogado Frederick Aiken. Una defensa que contaba con la oposición frontal del Gobierno y del Estado Mayor del Ejército.

Esta película se inscribe dentro de ese delicioso subgénero que es el cine de juicios, y lo hace brillantemente, con un estilo narrativo muy clásico y con unos actores excelentes, encabezados por James McAvoy, Robin Wright, Kevin Kline y Evan Rachel Wood. La banda sonora, de Mark Isham, es excelente, como el trabajo fotográfico caracterizado por una persistente atmósfera polvorienta en los interiores. Conspiración ofrece una reflexión interesante sobre el Estado de Derecho, los límites del poder y la siempre pantanosa justicia humana. Pero no lo hace desde fáciles maniqueísmos entre buenos y malos, sino tratando de mostrar la complejidad de los puntos de vista, sin abandonar el terreno ético tan querido para el cineasta Redford. El film transmite la nostalgia crepuscular de un western en el que el hombre justo e incomprendido terminara marchándose solitario en su caballo hacia quién sabe dónde.

La conspiración
Director:

Robert Redford

País:

Estados Unidos

Año:

2010

Género:

Drama

Público:

+12 años

Composición del Jurado de los Premios Alfa y Omega de Cine del año 2011

Bajo la presidencia de monseñor César Franco, obispo auxiliar de Madrid, se reunió con el director del semanario, don Miguel Ángel Velasco, para decidir los Premios Alfa y Omega al mejor cine del año, el jurado compuesto por:

Juan Manuel de Prada. Escritor. Premios Planeta (1997), Primavera de Novela (2003), Nacional de Narrativa (2004), Biblioteca Breve (2007). Colaborador de prensa escrita (fundamentalmente en ABC, XLSemanal y suplemento Cultural), que ha merecido importantes premios (Julio Camba, César González Ruano, Mariano de Cavia), y crítico de cine: actualmente, presenta y dirige, en Intereconomía Tv, Lágrimas en la lluvia.

Juan Orellana. Director del Departamento de Cine de la Conferencia Episcopal Española. Presidente de SIGNIS ESPAÑA. Profesor adjunto en la Universidad CEU San Pablo y director del Posgrado Universitario en Dirección Cinematográfica en la misma universidad. Director de la revista Pantalla 90 y crítico de cine de Alfa y Omega, Páginas para el mes, co-director del programa Pantalla grande de 13 TV y de COPE. Colaborador de la Agencia ACEPRENSA.

Juan Manuel Blanch. Catedrático de Derecho Romano en la Universidad CEU San Pablo. Académico correspondiente de la Real Academia de Jurisprudencia y Legislación. Socio de honor de la asociación universitaria Universitas.

Ninfa Watt. Doctora en Comunicación y licenciada en Periodismo y en Filología Hispánica. Profesora de Ética y Deontología y de Periodismo especializado en Información socio-religiosa y directora del Posgrado de Experto en Comunicación Social (Universidad Pontificia de Salamanca); colaboradora de la Cadena COPE, en el espacio de cine de El espejo; miembro del equipo de edición del Boletín de Doctrina Social de la Iglesia Cardenal Van Thuàn (Fundación Pablo VI).

Ana Lanuza Avello. Doctora en Comunicación Audiovisual por la Universidad CEU San Pablo, técnico en Creatividad Publicitaria y marketing por la Universidad Francisco de Vitoria. Profesora de Narrativa Audiovisual en la Universidad CEU San Pablo. Autora del libro El hombre intranquilo, mujer y maternidad en el cine clásico americano.

Álvaro Abellán García. Vicedecano de Innovación docente y profesor de Teoría de la Comunicación en la Facultad de Comunicación de la Universidad Francisco de Vitoria. Doctor en Humanidades y licenciado en Periodismo (Premio extraordinario de Licenciatura). Plumilla, fotero y coach dialógico. Escribe habitualmente en LaSemana.es

José Ángel Cortés Lahera. Doctor en Ciencias de la Información por la Universidad Complutense; estudios de Artes Liberales en la de Navarra. Cursos sobre escritura de guión con Linda Seger y Frank McAdams. Profesor en la CEU San Pablo, y en la Facultad de Comunicación de la de Navarra. Autor de, entre otros libros, Entrevistas con directores de cine italiano y La estrategia de la seducción.