XXIII Premios Alfa y Omega al mejor cine: La épica de lo humano

Mejor película extranjera y mejor fotografía: Dunkerque, de Christopher Nolan

El director londinense Christopher Nolan consigue probablemente su obra maestra con esta reinvención del cine bélico que supone una aproximación muy personal a un hecho decisivo de la Segunda Guerra Mundial: la evacuación del Ejército británico de Dunkerque. Nolan ofrece una puesta en escena tan realista como poética, demostrando que el realismo bélico no tiene por qué ser gore ni aparatoso, y situándose junto a autores como el Terrence Malick de La delgada línea roja o el Akira Kurosawa de Ran. En sintonía con ese realismo, en Dunkerque no hay un héroe único y grandilocuente, sino que hay un protagonismo colectivo y en muchos casos anónimo, lo que se sale de los cánones típicos del género en Hollywood. Otros protagonistas son la angustia y el miedo, capitaneados por un instinto casi animal de supervivencia, sentimientos diseccionados silenciosamente a través de los personajes.

Uno de los elementos más interesantes del filme es su concepción del tiempo narrativo, estructurado en tres lapsos diferentes y entrecruzados: una semana –que se corresponde con los personajes de la playa–, un día –relativo a los tripulantes del barco–, y una hora –la que vive contrarreloj el piloto del avión Supermarine Spitfire–. Tiempos y ámbitos distintos, atrapados bajo el mismo espacio físico y psicológico de Dunkerque. Todo ello envuelto en la fotografía precisa y elocuente de Hoyte van Hoytema, que ayuda al espectador a sumergirse en la metafísica de la película. Dunkerque es un homenaje al ser humano, noble y frágil a la vez. Un fiel retrato, silencioso y respetuoso, de la guerra; una película sin moralina maniquea, ni estridencias ni melodramas.

Mejor película española: La librería, de Isabel Coixet

Isabel Coixet sigue rodando en inglés y con esa sensibilidad humana que, salvo excepciones, caracteriza toda su filmografía. La librería es un drama de época que adapta la novela de la autora inglesa Penelope Fitzgerald (1916-2000), escrita en 1978, y que narra la insólita aventura de Florence Green (Emily Mortimer). Se trata de una mujer viuda que en 1959 abre una librería en un minúsculo pueblo inglés, Hardborough, y se encuentra con la oposición de alguno de sus habitantes, especialmente de la aristócrata influyente Violet Gamart (Patricia Clarkson), así como con el apoyo de otros, como Mr. Brundish (Bill Nighy).

Coixet ofrece una historia sensible, delicada y emotiva, aunque contenida. La película puede parecer lenta, silenciosa, incluso distante, pero en realidad ese es el estilo que mejor se ajusta a la historia –exterior e interior– de Florence. La película habla, obviamente, del amor a los libros, pero ante todo reflexiona críticamente sobre una pequeña comunidad humana que es un teatro del mundo, un microcosmos en el que habitan la envidia, la mentira, la ambición, la avaricia, la lealtad, la traición… y en cuyo centro hay una mujer pura e inocente que es la caja de resonancia de todas esas pasiones y mezquindades humanas. A pesar de todos los males que desfilan por el filme, la última palabra la tiene el legado de bien que deja la protagonista, un legado y un testimonio que terminan dando fruto en una joven discípula.

Uno de los personajes más emotivos es Mr. Brundish, un hombre mayor que ya ha sucumbido al escepticismo, pero que es capaz de revivir ante el eco de la belleza y de la verdad. La interpretación que de él hace Bill Nighy –Premio Alfa y Omega por su trabajo en este filme– es uno de los grandes alicientes de la película. Su personaje y el de la protagonista convierten la cinta en un homenaje a los resistentes, a los que persisten a pesar de nadar contracorriente.

Mejor director: Steven Spielberg por Los archivos del Pentágono

Spielberg afronta una historia relativa al sentido profundo de la profesión periodística, a la libertad de prensa, al derecho a la información y al difícil equilibrio entre el poder y los medios en una sociedad como la americana, que se precia de ser la tierra de la libertad. Para ello sitúa el arranque argumental en los primeros años 60, cuando el New York Times publica un informe secreto sobre la intervención de EE. UU. en Vietnam. La reacción de la administración Nixon fue inmediata y se tomaron medidas judiciales contra el famoso diario. Es entonces cuando el director del Washington Post, Ben Bradlee (Tom Hanks), decide solidarizarse con su competidor y rival en nombre de la libertad de prensa y trata de publicar precisamente los mismos documentos que le han prohibido al NYT. Pero el precio puede ser la desaparición total del periódico.

Los archivos del pentágono plantea dilemas de altura moral, y es de ritmo trepidante, idealista en sus propuestas, coral en su puesta en escena, muy crítica con el poder y con puntos de humor que hacen digerible lo que atraganta. La película se plantea la cuestión de hasta dónde llegan los límites de la libertad de prensa, y hasta dónde puede llegar la censura que se deriva de la preservación de la seguridad nacional. Para Spielberg los secretos de Estado no pueden ser la coartada para gobernar al margen de cualquier control democrático, y menos hacerlo con mentiras descaradas a la opinión pública. Como suele hacer siempre, Spielberg aprovecha para asomarse a la vida familiar de los protagonistas y humanizar a los personajes, llevarlos más allá de su mera función en el guion y darles una vida real. En ese sentido, el personaje más interesante es el de Meryl Streep, una mujer apocada y superada por las circunstancias, que va creciendo hasta la altura de una auténtica heroína.

Mejor guion: Negación

El veterano guionista David Hare (Las horas, El lector…) es experto en adaptaciones de novelas al cine. En este caso, adapta la obra autobiográfica de la historiadora norteamericana Deborah E. Lipstadt, en la que denunciaba la existencia de periodistas e historiadores que negaban el Holocausto. Ella les acusó de negacionistas y arremetió contra ellos, señalándolos como historiadores fraudulentos. Uno de los aludidos, el británico David Irving, autor de una devota biografía de Hitler, se querelló en 1996 contra Lipstadt y contra la Penguin Books por difamación. La defensa de ella la asumió un famoso abogado, Richard Rampton. Comenzó entonces en Londres un juicio decisivo en el que, como telón de fondo, se juzgaba el Holocausto. El director Mick Jackson se pone detrás de las cámaras dirigiendo un reparto de lujo encabezado por Rachel Weisz, Timothy Spall y Tom Wilkinson.

La película es un sutil ejercicio de práctica jurídica, perfectamente traducido al lenguaje cinematográfico. Contrapone de forma inteligente el mundo de los sentimientos, con sus propias reglas, y el mundo preciso y minucioso de la técnica judicial. El personaje de Lipstadt vive dividido entre ambos polos, y ese es el núcleo de su conflicto dramático. A pesar de todas las servidumbres típicas del subgénero de juicios –largos parlamentos, muchas escenas de interiores, secuencias casi teatrales–, el guion consigue dotar al filme de mucha frescura y dinamismo, limitando al máximo las escenas en la sala de vistas, y dando más espacio a los momentos preparatorios, a tramas colaterales –por ejemplo, los encuentros de Lipstadt con la comunidad judía o supervivientes de Auschwitz–, visitas al campo de concentración, etc. Lo más interesante del filme es el maridaje que se establece entre derecho y ética, sus mutuas relaciones, y cómo muestra esto sin caer en un aburrido ejercicio didáctico.

Mejor actriz: Assumpta Serna por Red de libertad

En la última película de Pablo Moreno, la gran actriz española Assumpta Serna da vida con mucha potencia interpretativa a Helena Studler (1891-1944), una hija de la Caridad francesa, que en la Segunda Guerra Mundial trabajó para mejorar las condiciones de vida de los presos de guerra en la ciudad de Metz y alrededores, llegando incluso a salvar a más de 2.000. La actriz encarna con mucha frescura y autenticidad al personaje, y tan pronto es capaz de transmitir a raudales la alegría de vivir como su enfado y angustia ante la injusticia. Studler fue capaz de enfrentarse a los nazis únicamente por la fuerza de su fe y de su entrega a los más necesitados. No solo expuso su vida, sino que dejó de lado su precaria salud para dedicarse por entero a las víctimas de la guerra. El partido de sor Helena es el partido de los que sufren, de los que se han quedado en los márgenes de la historia, independientemente de sus nacionalidades, ideas políticas o convicciones religiosas. En este sentido, más allá de la peripecia argumental, Red de libertad es una película muy actual, pues señala la vocación de los cristianos en un mundo que deja innumerables «daños humanos colaterales». El guion subraya la falta de conciencia heroica de la protagonista: ella hace lo que tiene que hacer, lo que no tiene más remedio que hacer. Un hermoso testimonio para un mundo que tanto valora poner medallas.

Mejor actor secundario: Bill Nighy por Su mejor historia y por La librería

Si ya hemos valorado el emotivo papel de este gran actor en la película de Coixet, aquí recordamos también otra interpretación memorable suya en el papel del actor Ambrose Hilliard, y que brinda la trama más cómica del filme. Su mejor historia, de Lone Scherfig, adapta una novela de la británica Lissa Evans, y nos sitúa en el Londres de la Segunda Guerra Mundial, con su población desmoralizada por los letales bombardeos. Una productora ha recibido el encargo del Gobierno británico de hacer una película patriótica para levantar la moral de las tropas inglesas. Pero en la guerra o en la paz un rodaje cinematográfico es siempre una aventura humana irrepetible, en la que, a la lucha entre egos, se añade esta vez una guerra de sexos. Así como en otras películas la directora ha diseccionado asuntos de indudable peso dramático, en la cinta que nos ocupa opta por una historia más ligera y amable, un grato divertimiento nunca exento de aderezos de drama. En Su mejor historia no hay grandes sorpresas pero se sigue con interés y agrado, porque todo es creíble, familiar e imperecedero, porque ahí encontramos los pecados de siempre, las noblezas de siempre. El amor, el orgullo, la infidelidad, el patriotismo, la mezquindad…

Mejor actor: Dorian Le Clech por Una bolsa de canicas

Dorian Le Clech es el jovencísimo actor que protagoniza la mejor película del canadiense Christian Duguay. A sus 11 años encarna con convicción a Joseph Joffo, un personaje real que, en sus memorias –ya traducidas a 19 idiomas–, relata sus experiencias como niño judío en plena ocupación alemana. Joseph era hijo de una familia de peluqueros que tuvo que separarse para correr menos peligro. Pero nadie garantizaba que se volvieran a reunir sanos y salvos.

A la trama previsible de judíos en fuga acosados por los nazis y los colaboracionistas franceses, se añaden una serie de subtramas muy ricas desde una perspectiva antropológica. Por ejemplo, la que se refiere a la relación entre hermanos. Se trata de un potente vínculo fraterno, limpio, sano, sin fisuras, con una entrega total, con un amor incondicional e indestructible. También la figura paterna que nos presenta es memorable, en la línea del Atticus Finch de Matar a un ruiseñor. Un padre que es auténtica y potente referencia ideal, moral y afectiva para sus hijos. Un padre querido y admirado que encarna para sus vástagos lo que ellos desean llegar a ser en la vida. La prueba de la fuerza educativa de una familia levantada con esos mimbres es la madurez que alcanza el pequeño protagonista, Jo, en medio de unas circunstancias durísimas incluso para un adulto. Un niño que vive de la memoria de sus padres. También es muy significativo el tratamiento positivo que se da a la Iglesia católica. Por un lado, el sacerdote de pueblo que se juega la vida en el tren por salvar a este par de hermanos judíos; por otro, el obispo de Niza, que hace lo mismo frente a las autoridades nazis más implacables. Y a estos dos gestos le corresponde el profundo agradecimiento de Jo, que es plenamente consciente de que estos dos hombres son gentiles que se han puesto en peligro por amor.

Mejor actriz secundaria: Kaitlyn Bernard por Lo que de verdad importa

Kaitlyn Bernard es el gran activo de la última película de Paco Arango. Ella es una joven actriz canadiense, luminosa y expansiva, que interpreta a Abigail, un personaje inspirado en la realidad. Está enferma de cáncer y recurre a Alec, mujeriego y jugador, que sin embargo parece tener heredados poderes curativos. Él tendrá que decidir si accede a intentar sanarla o no. La película, al igual que Maktub, consigue armonizar la ligereza de la comedia con el espesor del melodrama en una perfecta simbiosis. De esta forma logra tratar temas densos e intensos de forma agradable, sin petulancia ni pedantería. No hay nada presuntuoso ni intelectualista en el filme a pesar de meterse en la harina del sufrimiento, de la cuestión fe-increencia, de la autoconciencia, del amor, de la existencia de Dios… y de un largo etcétera de cuestiones importantes. Incluso la cuestión de la trascendencia se despoja de toda herrumbre racionalista, y aparece con la sencillez de una certeza elemental, de una experiencia cotidiana. La película también profundiza en la relación entre fe y libertad, dando a esta un valor infinito. No hay bien que valga si no aferra libremente. Este es el drama del protagonista, al que continuamente se le pone delante la posibilidad de decir sí o no. Pero también está la cuestión de la gracia: siempre hay una segunda oportunidad para volver a elegir, y una tercera…

Mejor película sobre el acontecimiento cristiano: La cabaña

Esta película del director británico Stuart Hazeldine se basa en la novela de William Paul Young, y nos cuenta la historia de Mack Phillips, un padre de familia marcado por el dolor de la pérdida traumática de su hija pequeña, Missy. Un día recibe una misteriosa carta que le invita a pasar el fin de semana en la cabaña donde se encontraron los últimos rastros de su hija. Desesperado e intrigado decide acudir, encontrándose con unos anfitriones inesperados, la Santísima Trinidad: Dios Padre (Octavia Spencer), Jesucristo (Aviv Alush) y el Espíritu Santo (Sumire Batsamaru). Ellos le enseñarán a mirar su dolor de otra manera, y a descubrir el poder sanador del perdón. Se podría decir que La cabaña es una historia sobre el Amor y la Misericordia. Y trata de exponer la forma en la que Dios mira y ama a cada ser humano, mostrando directamente Su punto de vista.

Ciertamente, en el filme se nota su origen protestante, y transpira un sutil tono de manual de autoayuda buenista aderezado de voluntarismo y moralismo. También se subraya la relación directa con Dios, y en ningún momento se presenta la comunidad cristiana como el lugar donde vuelve a hacerse tangible la presencia real e histórica de Cristo. A pesar de todo, La cabaña deja un buen sabor de boca, porque su reflexión sobre el dolor y la misericordia es muy verdadera, y las experiencias que se cuentan tienen muchos elementos de autenticidad.

Mejor documental: Converso

Esta singular producción (se distribuye a través de la web conversolapelicula.com) está a caballo entre el moderno documental de creación y un reportaje de periodismo de investigación. Y el resultado cuenta con una de las virtudes más buscadas y difíciles de alcanzar en un documental, como es conseguir transmitir una sensación de autenticidad. El agnóstico David Arratibel asiste con estupor a la cascada de conversiones al cristianismo en su familia. Su cuñado, su hermana, su madre, su otra hermana… Él, además de no entender dichos procesos, se siente marginado al no compartir esa experiencia de fe. Así que, para hacer frente a esta situación de desconcierto, decide coger la cámara y empezar a grabar para tratar de comprender lo que les ha sucedido al resto. Conversaciones desenfadadas destinadas a hacer emerger, en lenguaje audiovisual, algunos de los misterios que David quiere conocer.

Converso está en las antípodas del típico documental catequético, ramplón, sentimental o cargado de lugares comunes. Por el contrario, el tratamiento argumental es muy fino, elegante incluso, y a menudo gira en torno a cuestiones nada banales, como la relación entre belleza y sentido religioso, o el valor sagrado de la música. El hecho de que varios miembros de la familia se dediquen a la música profesionalmente facilita esta sensibilidad que aporta mucho al documental. Pero en cualquier caso, y dado que el filme es un pedazo de vida, cada cual puede hacer su propia lectura. Hay quien ve una reflexión sobre la naturaleza de los lazos familiares, otros descubren un filme sobre rencores, perdones y heridas sin cerrar, los hay que ven un filme sobre la dimensión espiritual del ser humano y su sentido religioso… Y es que todas estas cosas están ahí.

Mejor drama: La chica desconocida

En el extrarradio de Lieja (Bélgica), pasa consulta una joven doctora, Jenny (Adèle Haenel), junto a un residente que acaba de terminar la carrera. Una noche, una hora después del cierre de su consultorio, suena el timbre, pero Jenny está ocupada y decide no abrir, aunque su asistente hace ademán de hacerlo. Al día siguiente, la doctora se entera por la Policía de que han encontrado, no lejos de allí, a una joven muerta, sin identidad. Revisando las cámaras de seguridad, descubren que era la misma chica que llamó a la puerta. Al margen de sus virtudes cinematográficas o narrativas, que las tiene, los hermanos Dardenne aciertan con un tema que resulta políticamente incorrecto. En un mundo en el que se ha puesto de moda buscar culpables de todo, a la vez que eximirse uno mismo de cualquier responsabilidad, estos cineastas proponen como heroína una mujer que tiene remordimientos por un suceso del que no es culpable, pero con el que está relacionada por omisión. Ni la ley ni la opinión común la juzgan, pero ella comparece ante el tribunal de su conciencia personal y profesional, y allí encuentra un veredicto más exigente. A lo largo de la película son varios los personajes que, a instancias de Jenny, acaban siendo interpelados también en su conciencia, y ven emerger en ellos el remordimiento.

La cámara no se separa de la protagonista, que va por todo el barrio, de puerta en puerta, buscando respuestas. El filme tiene algo de thriller, sin serlo, ya que lo importante no es el resultado de las pesquisas detectivescas, sino el proceso de dilatación humana de la doctora y de otros personajes del filme. Al margen de ello, el largometraje es un bello elogio de la profesión médica, resaltando su aspecto más humanístico, en la figura del médico de barrio.

Mejor película sobre la familia: Wonder

Adaptación de La lección de August de Raquel Palacio, la película de Stephen Chbosky nos cuenta la historia de Auggie (Jacob Tremblay). Se trata de un niño de 10 años nacido con graves problemas genéticos que le han dejado una importante deformidad facial después de ser operado 27 veces. Ahora le toca cambiar de colegio, y le invade el pánico ante lo desconocido. Está acostumbrado a ser rechazado, y no quiere que le vuelva a pasar lo mismo con sus nuevos compañeros de clase. Para ello, va a contar con el apoyo de sus padres, Isabel (Julia Roberts) y Nate (Owen Wilson), de su hermana mayor, Via (Izabela Vidovic), y de algunos nuevos amigos.

La película es muy clásica de estilo, comercial, muy correcta y eficazmente planteada. Un esfuerzo de contención y un tono equilibrado evitan los excesos melodramáticos y consiguen que la cinta nunca abandone el pulso emocional adecuado. Wonder reivindica el valor de la familia, indaga en el sentido de la amistad entre adolescentes, hace un elogio de la paternidad y de la maternidad, desarrolladas por separado, propone el sentido de la enfermedad, habla del perdón, de la acogida del diferente, de la educación, del acoso escolar, del amor juvenil… y todo ello sin resultar una abrumadora o cargante. El tono de Wonder es familiar, sin ser una película pueril. Es decisivo el elenco de intérpretes infantiles, que funciona como un reloj, y que permite a los espectadores más jóvenes empatizar rápidamente con el filme y sus propuestas.

Mejor película sobre el arte: Loving Vincent

Cada vez se hacen más películas de ficción cuyo argumento gira en torno a un artista y su obra. En este caso la novedad es que se trata de una película de animación, polaca, dibujada a partir de los cuadros de Van Gogh, pintor sobre el que trata el largometraje. La película de Dorota Kobiela y Hugh Welchman hace una indagación sobre las causas de la muerte del famoso artista holandés, cuestionando la clásica teoría del suicidio. Con este argumento de intriga, la película nos va introduciendo en el mundo personal del pintor y de su obra, y nos da claves de comprensión de su sensibilidad. Es una obra de arte, como si de cuadros de Van Gogh animados se tratase, y está hecha sobre imágenes reales repintadas al estilo del maestro holandés.

Mejor película sobre el trabajo: Dancer

Impresionante documental británico de Steven Cantor sobre el bailarín ucraniano Sergei Polunin. La película sigue los pasos del artista desde su niñez hasta el momento actual. Desde joven se vio encarrilado hacia el mundo de la danza clásica, gracias al sacrificio extremo de sus padres, llegando al mayor de los éxitos. Pero cuando llega a la madurez se pregunta si realmente es eso lo que quiere hacer en su vida. Y empieza a buscar nuevas formas de expresión. Una película muy honesta y humana, que suscita muchas preguntas y reflexiones, y que a la vez nos brinda un espectáculo de danza verdaderamente sobrecogedor. Una hermosa reflexión sobre el sentido del trabajo y de la propia vocación.

Mejor película basada en hechos históricos: El viaje

La película de Nick Ham es una lección de alta política. El guion reconstruye –y en parte imagina– un episodio tan interesante como desconocido. En el año 2006, empiezan las difíciles –y que serían definitivas– conversaciones de paz en Irlanda del Norte entre dos acérrimos enemigos, el líder del Sinn Fein Martin McGuinness (Colm Meaney) y el fanático pastor unionista Ian Paisley (Timothy Spall). Nada más comenzar la reunión, Pasley pide una demora para asistir a sus bodas de oro en Belfast. McGuinness accede a cambio de poder acompañarle. Para llegar al aeropuerto, es necesario un trayecto en automóvil de mediana duración. En ese viaje, ellos dos, solos en el asiento trasero, tendrán que congeniar y aprender a mirarse de otra manera, si quieren alcanzar la paz para Irlanda del Norte. Descomunal duelo interpretativo en esta obra de personajes y diálogos muy inteligentemente trabados. La película ilustra una verdad histórica incuestionable: al final todo se juega en las distancias cortas, en el encuentro personal, en el nivel humano.

Mejor película de animación: Coco

Pixar vuelve a dar el do de pecho con una de sus obras maestras. Se trata de una trama intergeneracional, que reivindica la familia como lugar de desarrollo personal, frente a un modelo que busca imponer esquemas al margen de la libertad de las personas. Todo ello ambientado en la fiesta mexicana de los muertos, con un trasfondo escatológico que poco tiene que ver con la trascendencia cristiana.

Sin embargo, la antropología que subyace en el filme sí lo es, con un tratamiento rico del perdón, del amor familiar y, sobre todo, de la necesidad que tienen los niños de figuras de referencia a las que mirar y seguir para crecer. Sin duda, una de las cumbres de Pixar, tanto en animación como en guion.

Mejor película infantil: Se armó el belén

Esta película de Timothy Reckart fue la única realmente navideña para toda la familia en 2017. Una cinta de animación que se centra directamente en el nacimiento de Jesús, y que arranca en el momento de la Anunciación. La originalidad del filme estriba en su perspectiva, que es la de los animales, especialmente la de un burrito, Bo, y la de sus amigos, la paloma Dave, y la oveja Ruth. Bo ha huido de su amo, un molinero que le mantenía atado a un yugo y encerrado en un molino, y encuentra en María una nueva y bondadosa dueña. Por su parte, Herodes ha enviado a un malvado matón con sus dos terribles sabuesos con la misión de malograr el embarazo de la Virgen. Los simpáticos animales serán decisivos para que el nacimiento de Jesús tenga lugar exitosamente, tal y como lo conocemos por los Evangelios y la tradición. Divertida película, que combina un guion fluido e hilarante, con unos personajes bien construidos, elementos de comedia slapstick, y una animación que, sin ser Pixar, funciona sin ningún problema. Los temas que atraviesan el guion, además de la Historia Sagrada, son los clásicos elogios a la amistad, al sacrificio por los demás, a la búsqueda de una misión en la vida.